Où puis-je trouver des photos de vêtements de musiciens européens masculins pauvres ou ordinaires entre 1500 et 1700

Où puis-je trouver des photos de vêtements de musiciens européens masculins pauvres ou ordinaires entre 1500 et 1700

Quelqu'un peut-il fournir des images ou des descriptions crédibles de vêtements qu'un musicien modeste n'importe où en Europe aurait pu porter entre 1500 et 1700 ? Je me rends compte que ma question couvre 200 ans et de nombreux pays. N'hésitez pas à le restreindre si vous en avez besoin. J'ai cherché beaucoup de peintures par moi-même, mais je soupçonne qu'elles ont tendance à représenter des musiciens dans des vêtements extrêmement sophistiqués.

Si vous pouvez montrer que les exemples ci-dessous ne sont pas des musiciens riches ou que les vêtements des musiciens ne diffèrent pas significativement de ceux des autres, vous êtes invités à le faire.

Il semble facile de trouver des exemples de musiciens peints par Dirk van Baburen 1622 : Ou van Baburen 1623 :

Malheureusement, ce ne sont pas des images du corps entier et semblent à mon œil non averti représenter des gens riches. Si cette dernière hypothèse est fausse, je serai ravi de le savoir ! Pour moi, de telles plumes et chapeaux ont certainement l'air chers.

Le Caravage 1596 montre également des tissus qui me semblent riches et luxueux. Je suppose qu'un tel pigment était cher, mais je suppose simplement :

La seule image un peu modeste (?) que j'ai pu trouver était Dürer 1504 :


Pour les musiciens vraiment pauvres, vous devez probablement vous tourner vers les musiciens de rue. Comme le L'histoire de Cambridge de la musique du XVIIe siècle Remarques,

La richesse relative des musiciens est difficile à déterminer, en partie parce que la monnaie forte n'était pas la mesure économique la plus importante de la période. De plus la fortune des particuliers pouvait fluctuer fortement… Certains musiciens sont morts de misère. D'autres, cependant, ont laissé des domaines importants…

Cette source donne ensuite une idée du revenu par rapport à d'autres professions :

Pour Londres, Ian Spink a estimé qu'un musicien de la cour de la base pourrait s'attendre à être payé autant qu'un membre du clergé plus aisé, un officier militaire ou quelqu'un dans les arts libéraux. Les musiciens de moindre importance tels que les serveurs de la ville étaient plus proches des commerçants ou des petits commerçants dans leurs revenus, tandis qu'un musicien de rue pouvait être indiscernable d'un mendiant.

Partant du bas de l'échelle financière, la gravure ci-dessous de Jacques Bellange de Lorraine (vers 1575-1616) montre un musicien mendiant.

Source : Jacques Bellange - Hurdy-Gurdy Player - WGA01598.jpg">Jacques Callot (vers 1592 - 1635, également lorrain) est d'un mendiant musicien mieux habillé (1622 ou 1623) :

Source : BnF Gallica

Les musiciens de rue étaient méprisés et parfois poursuivis pour vagabondage. Londres a attiré un grand nombre de ces vagabonds, faisant des rues des lieux bruyants alors que musiciens, chanteurs de ballades, colporteurs et autres exerçaient leur métier, parfois de manière malhonnête (travaillant avec des pickpockets) et parfois sujets à la violence (beaucoup étaient armés). Des scènes comme celle ci-dessous (également de Jacques Bellange) n'auraient pas aidé leur réputation.

"Un joueur de vielle à roue serre la gorge de son adversaire en lambeaux en colère. Un chien agité, les griffes exposées et déchaînées au premier plan." Source : Musée des Beaux-Arts de San Francisco.

Le joueur de cornemuse, par Albrecht Dürer (1514). Source : Le Met

Les Musiciens, par Lucas van Leyden (1524). Source : Les Pauvres et Paysans de la Renaissance

Les couleurs des vêtements des pauvres avaient tendance à être plus discrètes qu'elles ne le sont aujourd'hui, le jaune, le marron et le bleu étant plus courants que la plupart. Ce n'étaient en aucun cas les seules couleurs utilisées, cependant. L'article Couleurs pour les vêtements élisabéthains de la classe inférieure a plus à ce sujet.


La photo ci-dessous du peintre flamand Pieter Brueghel le Jeune (1564 - 1638) montre un musicien mieux habillé jouant pour la danse des œufs dans un village paysan. La danse des œufs était

un jeu traditionnel de Pâques consistant à pondre des œufs sur le sol et à danser entre eux en essayant d'en briser le moins possible… le passe-temps est associé aux villages paysans des XVIe et XVIIe siècles…

Environ. 1620. Source : Examen du domaine public

Une autre image, celle du peintre hollandais Jan Steen (vers 1626 - 1679), présente également la Danse des œufs et montre deux musiciens (en bas à droite).

années 1670. Source : Jan Steen - The Egg Dance, Peasants Merrymaking in an Inn WMR APH N070483.jpg">waits (groupes de musiciens dans les villes) étaient salariés et avaient souvent des vêtements fournis (ils peuvent donc ne pas répondre à votre question). Parmi d'autres responsabilités, ils jouaient aux fêtes et foires de la ville. Plus d'informations et quelques photos peuvent être trouvées sur le site Web Waits. leur fortune pouvait fluctuer et il n'était pas rare que des musiciens meurent dans la misère.


Autres sources :

Musique élisabéthaine

Musiques et danses traditionnelles au temps de Vermeer

Peter Brimacombe, Tudor Angleterre

La musique à l'époque élisabéthaine

Penry Williams, Les Tudors postérieurs 1547 - 1603


Jusqu'à l'époque de Beethoven, les musiciens avaient un statut social bas. Ils étaient essentiellement des serviteurs. Comme les autres serviteurs, ils étaient vêtus d'une belle livrée tout en servant leurs maîtres. C'est ce que vous voyez dans la plupart de vos photos. Lorsqu'ils ne servent pas, ils ressemblaient probablement à la photo de Dürer. Ou comme ça :

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6a/Johann_Sebastian_Bach.jpg">PartagerAméliorer cette réponserépondu 25 octobre 18 à 14:13fdbfdb8,6022 badges dorés20 insignes d'argent38 insignes de bronze

Mode des années 40 : Tendances des styles vestimentaires

La mode des années 40 était un bon mélange de confort et de glamour. Il y avait des tenues spécifiques qui étaient destinées à des moments spécifiques de la journée. Certains de leurs designs ont l'air carrément modernes, même selon les normes d'aujourd'hui.

Une autre chose que les femmes portaient TOUJOURS : des gants. De préférence une paire qui correspond à votre tenue. La fourrure était très populaire, tout comme les peaux d'animaux. Sacs à main en crocodile, colliers de wombat, doublure en peau d'agneau et manches en cuir - aucun animal n'était interdit.

Les vêtements des années 40 étaient très lumineux et colorés. Plus il est lumineux, mieux c'est. Les chaussures pour femmes étaient souvent l'un des trois choix de couleurs populaires : rouge, blanc ou bleu.

Que portaient les gens dans les années 40 ? Jetez un regard plus approfondi sur la mode des années 40 en regardant des photos et en lisant notre chronologie annuelle ci-dessous.

Partagez votre amour pour la mode des années 40 : Styles vestimentaires & Tendances


Groupes de danse populaires

L'interdiction de l'alcool a commencé en 1920, ce qui a conduit à un marché souterrain pour les boissons très recherchées et à la création de lieux comme les bars clandestins. Les speakeasies ont commencé modestement, mais alors que les années folles atteignaient leur apogée, les speakeasies ont suivi et se sont étendus à des clubs mettant en vedette des musiciens et des danseurs. Les Speakeasis n'étaient pas les seuls endroits qui offraient une fête à l'ère du jazz, il y avait des clubs privés, des clubs de danse, des clubs de jazz et des relais routiers. Tous étaient des endroits où les gens pouvaient se rassembler, écouter de la nouvelle musique et essayer ensemble les dernières folies de la danse. La danse était une grande partie de la culture et de la musique populaires au cours de cette décennie et un certain nombre de danses emblématiques ont émergé de ces scènes. La danse représentait les modes de vie insouciants et excessifs que beaucoup avaient et essayaient d'imiter au cours de l'une des premières grandes périodes de boom de l'histoire américaine. Presque toutes les villes du pays avaient une forme d'orchestre de danse et un lieu de rassemblement, faisant de la musique de danse l'une des musiques les plus entendues et acceptées des années 1920. La musique dance a jeté les bases de ce qui allait devenir des standards pop classiques. Le "Charleston", le "Black Bottom", le "Shimmy", le "Foxtrot" et le "Lindy Hop" étaient parmi les danses les plus populaires de l'époque. La plupart de la musique de danse ressemblait à ce que nous appellerions aujourd'hui Big Band, mais à l'époque, elle était considérée comme du jazz et contenait des éléments de l'ancienne musique populaire Ragtime. La danse la plus célèbre et la plus reconnaissable des années vingt était le Charleston. Le Charleston a été présenté au monde dans le spectacle de Broadway "Runnin' Wild" de 1923. C'était une chanson de l'émission intitulée "The Charleston" et elle était interprétée dans un style similaire à la musique Ragtime. La musique ragtime était populaire jusqu'à la fin des années 1910 et a eu une forte influence sur la musique de danse du début des années 1920, tandis que le jazz a fortement influencé la musique de danse à la fin des années 1920. Il y avait plusieurs groupes et orchestres qui ont eu des succès avec la musique de danse au cours de la décennie et beaucoup d'entre eux ont fait la transition entre différents genres en fonction de ce qui était le plus populaire à l'époque. Quelques exemples de groupes de danse populaires étaient Paul Whiteman et son orchestre, le Fletcher Henderson Orchestra, Ben Bernie et son orchestre et le Nat Shilkret Orchestra. Un autre aspect de la musique de danse dans les années 1920 était les compétitions de danse et les marathons qui ont eu lieu à travers le pays. Les stations de radio, les magasins et d'autres opérations commerciales organiseraient des concours pour des prix où les couples s'affronteraient pour voir qui pourrait danser le plus longtemps, certaines personnes dansant pendant des jours. D'autres compétitions mettraient en vedette des dizaines de filles voyant qui pourrait danser le meilleur Charleston le plus longtemps. La popularité de la musique de danse a également influencé les modes de la décennie avec des vêtements plus amples comme des robes de style « Flapper » pour les femmes, et des vêtements de sport plus décontractés pour les hommes de plus en plus répandus. Bien que ces types de vêtements n'aient pas nécessairement été créés pour la danse, leur coupe et leurs styles faciles les ont rendus idéaux pour la danse flamboyante et active qui a dominé la décennie.

La musique jazz a commencé au début des années 1900 au sein de la communauté noire de la Nouvelle-Orléans. C'était un nouveau type de musique qui combinait les styles européens et africains. C'est un style difficile à définir car il incorpore plusieurs éléments différents de plusieurs styles différents, repose sur beaucoup d'improvisation et de rythmes syncopés et est subjectif à bien des égards. La musique jazz a atteint le courant dominant dans les années 1920 lorsque des musiciens sud-américains ont commencé à s'installer à Chicago à la recherche de travail. Les années vingt sont souvent appelées l'âge du jazz parce que la popularisation de la musique jazz a eu un effet culturel énorme. La musique jazz était importante car elle influençait la mode, les danses, les normes morales acceptées, la culture des jeunes et les relations raciales. La musique jazz a été l'un des premiers types de musique à être culturellement appropriée par la classe moyenne blanche américaine et les spécialistes du jazz séparent souvent la musique en "Jazz" et "Jazz blanc", marquant une différence de style et de sens entre les artistes de jazz afro-américains originaux. et des artistes de jazz blancs popularisés. La musique jazz était populaire sur les nouveaux réseaux de radio en plein essor et c'était l'un des moyens par lesquels les musiciens blancs se sont appropriés et ont popularisé la musique, car de nombreuses stations nationales refusaient de diffuser des disques d'artistes noirs à l'époque. Deux artistes noirs prédominants qui avaient de la popularité et jouaient dans des groupes de jazz étaient Louis Armstrong et Duke Ellington, un artiste de jazz blanc influent à l'époque était Bix Beiderbecke. Le jazz a gagné en popularité et s'est répandu à travers le pays dans les clubs, les bars clandestins et les salles de danse où les groupes de jazz jouaient leur nouvelle musique. De nombreux clubs étaient séparés et n'autorisaient que les groupes blancs dans les clubs blancs et les groupes noirs dans les clubs noirs. Certains groupes afro-américains populaires jouent dans des clubs blancs où les clients noirs n'étaient pas autorisés. Il y avait très peu de clubs intégrés autour et ils s'appelaient les clubs "Black and Tan". Le musicien de jazz le plus célèbre de la décennie et peut-être de tous les temps était Louis Armstrong. Armstrong était un musicien de jazz afro-américain populaire qui jouait de la trompette et du cornet et était connu pour sa voix distincte et graveleuse. Le talent d'Armstrong l'a aidé à briser certaines des barrières raciales de l'époque alors qu'il jouait dans plusieurs groupes métis et était invité à jouer dans des clubs réservés aux blancs. Certains des succès notables d'Armstrong de la décennie comprenaient "Heebie Jeebies" de 1926, "West End Blues" de 1928 et "Ain't Misbehavin'" de 1929. Duke Ellington était un autre musicien de jazz influent de l'ère du jazz. Ellington était un chef d'orchestre de jazz et un pianiste. Il était une figure influente dans la communauté du jazz mais il a également beaucoup fait pour la musique populaire et la musique de danse en général. Il était également une figure populaire qui fréquentait uniquement les clubs de jazz blancs pour se produire. Quelques chansons populaires de Duke Ellington des années 1920 étaient "Creole Love Call" et "Black and Tan Fantasy" toutes deux enregistrées en 1927. Un troisième musicien de jazz influent de la décennie était un cornettiste et pianiste blanc nommé Bix Beiderbecke. Le style de Beiderbecke contrastait avec celui d'Armstrong et on pense qu'il a eu une influence égale sur la première scène du jazz comme Armstrong. De nombreuses autorités du jazz disent que deux styles de jazz distincts ont été formés à partir des années 1920, et les deux styles peuvent être attribués aux styles originaux de Louis Armstrong ou de Bix Beiderbecke. Armstrong était un musicien hautement qualifié et était considéré comme un virtuose, tandis que Beiderbecke était autodidacte et avait donc un style inhabituel. Le jazz était le son et le style déterminants des années 1920 et a continué d'être une forme d'art populaire qui a un paysage musical en constante évolution. Les enregistrements célèbres de Beiderbecke comprenaient "Riverboat Shuffle" de 1924 et "Davenport Blues" de 1925.

Le blues

La première musique de blues populaire a commencé à apparaître à la fin des années 1900 et au début des années 1910. La musique blues est probablement née plus tôt que celle des communautés afro-américaines des États du sud profond des États-Unis. La musique blues se caractérise par la répétition d'accords et le blues des années 1920 axé sur une structure à douze mesures. Les chansons racontaient souvent les problèmes personnels des chanteurs et les problèmes raciaux quotidiens associés au fait d'être afro-américain dans le Sud marqué par les préjugés et la ségrégation. Certaines chansons de blues étaient également spirituelles et comiques, une vision satirique d'une vie mélancolique. Au cours des années vingt, le blues était presque exclusivement joué par des musiciens noirs et n'était populaire qu'au sein de la communauté noire. L'une des chanteuses de blues les plus importantes de la décennie était Mamie Smith. Mamie Smith est crédité d'avoir réalisé la première performance vocale de blues enregistrée par un chanteur afro-américain en 1920. La chanson s'appelait "Crazy Blues" et elle était extrêmement populaire auprès d'un public afro-américain, contribuant à créer un marché pour les " disques de course ". enregistrements qui ont été spécifiquement commercialisés auprès d'un public noir. Une autre chanteuse de blues importante des années 1920 était la « Mother of Blues », Ma Rainey. Elle a également été l'une des premières artistes professionnelles d'enregistrement de blues et était connue pour sa voix puissante. Rainey était soupçonnée par beaucoup d'être bisexuelle ou lesbienne et est considérée comme l'une des premières voix influentes de la communauté LGBTQ, car nombre de ses chansons faisaient ouvertement référence au lesbianisme. Certaines chansons célèbres de Ma Rainey incluent "See See Rider" de 1924, "Black Bottom" de 1927 et "Prove It on Me" de 1928. Alors que Ma Rainey était la « mère du blues », une autre artiste, Bessie Smith, était considérée comme « l'impératrice du blues » dans les années 1920. Bessie Smith était l'une des interprètes afro-américaines les mieux payées de la décennie et a eu plusieurs tubes de blues au cours des années vingt, dont "Downhearted Blues" et "T'ain't Nobody's Biz-Ness If I Do" de 1923 et "I Ain' t Got Nobody" de 1926. Elle était connue pour sa voix incroyablement forte. Une dernière figure importante de la musique blues des années 1920 était Blind Lemon Jefferson, un chanteur et guitariste qui avait un style distinctif qui a fait de lui un artiste d'enregistrement à succès au début de l'industrie musicale. Il a été l'un des premiers artistes solistes et guitaristes à réussir dans l'industrie du disque et était considéré comme un innovateur. Les chansons les plus célèbres de Blind Lemon Jefferson comprenaient « Matchbox Blues », « See That My Grave is Kept Clean » et « Black Snake Moan ». Le blues est resté populaire depuis les années 1920 et a changé et évolué avec ses propres tendances au fil du temps.

Broadway

L'industrie cinématographique était quelque peu établie dans les années 1920 et les films muets étaient les seuls types de films à dominer le grand écran. En 1923, le son synchronisé dans les films faisait de grands progrès dans le développement de la technologie et les premiers courts métrages avec son synchronisé étaient créés. Entre le milieu et la fin des années 1920, les premiers longs métrages parlants (« talkies ») étaient créés et commercialisés. Avec l'avènement des films parlants, la prochaine étape naturelle serait les comédies musicales. Avant la création de films parlants, les comédies musicales étaient souvent créées dans le quartier théâtral de Broadway à New York. Broadway est devenu un lieu où des artistes, compositeurs, écrivains et musiciens talentueux se sont réunis pour créer un nouvel art ensemble. Il s'est imposé dans les années 1920 et était un lieu où la créativité et la décadence prospéraient. Des compositeurs comme George et Ira Gershwin, Cole Porter et Irving Berlin ont prospéré dans leur création de théâtre musical. Bon nombre de ces œuvres de compositeurs ont ensuite été transformées en premiers films musicaux, où elles ont trouvé un tout nouveau public à travers le pays. La musique de Broadway a trouvé sa place dans les nouveaux films sonores synchronisés et l'Amérique a été introduite dans un théâtre musical nouveau et moderne, un mélange de styles musicaux classiques et innovants, juxtaposés à des histoires passionnantes qui reflètent l'époque actuelle. Quelques exemples de spectacles de Broadway transformés en films musicaux au cours des années 1920 étaient "Sally" (comédie musicale sur scène de 1920 au film de 1929), "Rio Rita" (comédie musicale sur scène de 1927 au film de 1929), "Show Boat" (comédie musicale sur scène de 1920 au film de 1929) , "Sunny" et "No, No, Nanette" (tous deux des comédies musicales de 1925 transformées en films de 1930). Lorsque les films musicaux n'étaient pas directement tirés de comédies musicales sur scène, ils utilisaient souvent Broadway comme sujet et toile de fond, se déroulant dans le monde de la scène. Quelques exemples de ces comédies musicales incluent "The Jazz Singer" (1928), "The Broadway Melody" (1929), "Gold Diggers of Broadway" (1929) et "Broadway" (1929). La musique de Broadway dans les années 1920 était fortement influencée par le jazz. Les artistes populaires de Broadway ont commencé à se frayer un chemin vers les industries du film et de l'enregistrement de musique où leurs performances de signature pouvaient être relatées et distribuées aux masses à travers des films et des disques. Les stars célèbres à émerger de la scène de Broadway comprenaient Fanny Brice, Al Jolson, Sophie Tucker et Ethel Waters. Bon nombre des premiers compositeurs de Broadway étaient enracinés dans la musique classique, mais l'esprit de la décennie implorait l'innovation et encourageait des compositeurs comme George Gershwin à mélanger le moderne avec l'ancien. Le chef-d'œuvre de Gershwin, "Rhapsody in Blue", introduit en 1924, mélange parfaitement le classique avec le nouveau jazz et il est devenu la chanson la plus emblématique et la plus représentative des années 1920.

Chansons populaires des années 1920

1920 - Dardanella - Ben Selvin, (-) Crazy Blues - Mamie Smith, (-) Whispering - Paul Whiteman, (-) Love Nest - John Steel, (-) Swanee - Al Jolson,

1921 - Margie - Eddie Cantor, (-) Cherchez la doublure argentée - Marion Harris, (-) The Wabash Blues - Isham Jones, (-) All by Myself - Ted Lewis, (-) Wang Wang Blues - Paul Whiteman,

1922 - April Showers - Al Jolson (-) My Buddy - Henry Burr (-) Hot Lips - Paul Whiteman (-) On the Alamo - Isham Jones (-) Toot, Toot, Tootsie - Al Jolson (-)

1923 - Love Her by Radio - Billy Jones (-) Georgia Blues - Ethel Waters (-) Felix the Cat - Paul Whiteman (-) That Old Gang of Mine - Billy Murray (-) Dreamy Melody - Art Landry (-)

1924 - La chanson du prisonnier - Vernon Dalhart (-) Ça devait être toi - Isham Jones (-) King Porter Stomp - Jelly Roll Morton (-) Jealous - Marion Harris (-) Rhapsody in Blue - George Gershwin (-)

1925 - Dinah - Ethel Waters (-) St. Louis Blues - Bessie Smith (-) Sweet Georgia Brown - Ben Bernie (-) Rappelez-vous - Isham Jones (-) Oui Monsieur (-) C'est mon bébé - Ace Brigode (-)

1926 - Bye Bye Blackbird - Gene Austin (-) Certains de ces jours - Sophie Tucker (-) Rio Rita - Nat Shilkret (-) Toujours - Vincent Lopez (-) Heebie Jeebies - Louis Armstrong (-)

1927 - I'm Coming, Virginia - Bix Beiderbecke (-) Stardust - Hoagy Carmichael (-) Lucky Lindy - Nat Shilkret (-) Shaking the Blues Away - Ruth Etting (-) Black & Tan Fantasy - Duke Ellington (-)

1928 - Mon homme - Fanny Brice (-) Je veux être aimé par toi - Helen Kane (-) Makin' Whoopee - Eddie Cantor (-) L'homme que j'aime - Marion Harris (-) Ol' Man River - Paul Robeson (- )

1929 -Quand vous souriez - Louis Armstrong (-) Tip Toe Thru' The Tulips - Nick Lucas (-) Peut-être, qui sait ? - Kate Smith (-) Dream Lover - Jeanette MacDonald (-) Ain't Misbehavin' - Fats Waller"


Danse et musique

Les arts du spectacle ont également une longue et distinguée tradition. Bharata natyam, la forme de danse classique originaire du sud de l'Inde, exprime des thèmes religieux hindous qui datent au moins du IVe siècle de notre ère (voir Natya-shastra). D'autres styles régionaux comprennent odissi (de l'Orissa), manipuri (Manipur), kathakali (Kérala), kuchipudi (Andhra Pradesh), et kathak (Inde du Nord islamisée). De plus, il existe de nombreuses traditions régionales de danse folklorique. L'un d'eux est le bhangra, une forme de danse pendjabi qui, avec son accompagnement musical, a atteint une popularité nationale et internationale croissante depuis les années 1970. La danse indienne a été popularisée en Occident par le danseur et chorégraphe Uday Shankar.

La musique traditionnelle indienne est divisée entre les écoles hindoustani (nord) et carnatique (sud). (Le style hindoustani est influencé par les traditions musicales du monde de langue persane.) La musique instrumentale et vocale est également très variée et est fréquemment jouée ou chantée en concert (généralement par de petits ensembles). C'est un mode populaire d'expression religieuse, ainsi qu'un accompagnement essentiel à de nombreuses festivités sociales, y compris les danses et la narration de récits bardiques et autres récits folkloriques. Certains virtuoses, notamment Ravi Shankar (compositeur et joueur de sitar) et Ali Akbar Khan (compositeur et joueur de sarod), ont acquis une renommée mondiale. Les représentations dramatiques classiques les plus populaires, parfois chorégraphiées, se rapportent aux grandes épopées hindoues Ramayana et le Mahabharata. Les variations régionales de la musique classique et folklorique abondent. Tous ces genres sont restés populaires, tout comme la musique hindoue dévotionnelle, mais l'intérêt pour la musique populaire indienne s'est rapidement accru depuis la fin du XXe siècle, soutenu par le grand succès des comédies musicales cinématographiques. La musique classique occidentale est représentée par des institutions telles que l'Orchestre symphonique de l'Inde, basé à Mumbai, et certaines personnes (notamment le chef d'orchestre Zubin Mehta) ont acquis une renommée internationale.


La mode en 1932

Marlene Dietrich avec béret incliné

Avec la vogue croissante des soies moulantes popularisées via Hollywood, les sous-vêtements changent radicalement en 1932. Bien qu'ils soient toujours brodés et généralement d'une seule pièce, il y a une absence notable de coutures, car elles se voient à travers des vêtements moulants.

Les femmes se tournent vers les corsets de manière époustouflante et un nouvel intérêt émerge pour le « relèvement », fourni par les fléchettes et les coutures circulaires cachées. Les soies artificielles et les fermetures éclair rendent les vêtements moins chers, ce qui est très important dans une société américaine qui avait un taux de chômage de 24%.

Une robe en rayonne à carreaux bleu et blanc avec ceinture à ceinture et col à nœud, avec des fleurs, des rubans et des plumes dans les cheveux est le style de l'été. Les chapeaux à la mode vont de la casemate à la tuque, en passant par le turban garni et le béret basque (porté sur le côté comme Marlene Dietrich). La robe de soirée en coton de Chanel a été un grand succès en 1932.

Pour la première fois, les cravates en laine, et non en soie, sont le choix idéal pour l'homme d'affaires élégant.


Mi'kmaq

Les Mi’kmaq (Mi’kmaw, Micmac ou L’nu, « le peuple » en Mi’kmaq) sont des peuples autochtones qui font partie des premiers habitants des provinces atlantiques du Canada. Des noms alternatifs pour les Mi'kmaq apparaissent dans certaines sources historiques et incluent les Gaspésiens, les Souriquois et les Tarrantins. Les communautés Mi'kmaq contemporaines sont situées principalement en Nouvelle-Écosse et au Nouveau-Brunswick, mais avec une présence importante au Québec, à Terre-Neuve, au Maine et dans la région de Boston. En 2015, il y avait un peu moins de 60 000 membres inscrits des nations Mi'kmaq au Canada.

Territoire traditionnel

Les Mi'kmaq font partie des premiers habitants de la région de l'Atlantique au Canada et habitaient les régions côtières de Gaspé et des provinces maritimes à l'est de la rivière Saint-Jean. Ce territoire traditionnel est connu sous le nom de Mi'gma'gi (Mi'kma'ki) et est composé de sept districts : Unama'gi (Unama'kik), Esge'gewa'gi (Eskikewa'kik), Sugapune'gati ( Sipekni'katik), Epegwitg aq Pigtug (Epekwitk aq Piktuk), Gespugwi'tg (Kespukwitk), Signigtewa'gi (Siknikt) et Gespe'gewa'gi (Kespek). Les Mi’kmaq occupent leur territoire traditionnel, les Mi’gma’gi, depuis des temps immémoriaux. Les Mi'kmaq continuent d'occuper cette région ainsi que des établissements à Terre-Neuve et en Nouvelle-Angleterre, en particulier à Boston. L’histoire orale et les preuves archéologiques placent les Mi’kmaq en Mi’gma’gi depuis plus de 10 000 ans. (Voir également territoire indigène).

Vie traditionnelle

Vue d'un wigwam mi'kmaq, d'un homme et d'un enfant, probablement à Dartmouth, en Nouvelle-Écosse, photographiés en 1860. Archives nationales d'anthropologie, Smithsonian Institution, photo NO. 47728. Grand manteau militaire Mi'kmaq, vue arrière (avec la permission du Glenbow Museum/Museum of Victoria, Melbourne, Australie). Cette peinture vers 1850 (huile sur toile, 45,7 x 61,0 cm) a été réalisée par un artiste inconnu qui a fait preuve d'un mélange de savoir et de naïveté (avec la permission du MBAC).

Dans le monde pré-contact des Mi'gma'gi, l'histoire orale et archéologique raconte l'occupation saisonnière et la récolte des ressources - le printemps et l'été passés sur la côte, l'automne et l'hiver à l'intérieur des terres. Les habitants de Mi’gma’gi comptaient sur la variété des ressources disponibles, utilisant tout, des coquillages aux mammifères marins en passant par les mammifères terrestres, petits et grands, pour se nourrir, se vêtir, se loger et s’outiller. Ils utilisaient également le bois abondant de la région pour construire des canots, des raquettes et des abris, généralement en combinaison avec des peaux d'animaux et des tendons. Les Mi'kmaq dépendaient entièrement de leur environnement pour leur survie et ont ainsi développé une grande vénération pour l'environnement qui les soutenait.

Population

En 2015, le nombre de personnes inscrites auprès des Premières Nations Mi'kmaq était de 58 763. De ce total, 23 997 étaient membres de la Première nation Qalipu de Terre-Neuve, une communauté sans terre officiellement reconnue par le gouvernement du Canada en 2011. À l'exception des Qalipu sans terre, 56 % des Mi'kmaq vivaient dans des réserves en 2015. Mi'gma 'gi abrite 30 nations Mi'kmaq, dont 29 sont situées au Canada — la bande Aroostook Micmac de Presque Isle, dans le Maine, compte plus de 1 200 membres. Toutes les communautés sauf deux (la Première Nation Qalipu Mi'kmaq et La Nation Micmac de Gespeg à Fontenelle, Québec) possèdent des terres de réserve. De nombreux Mi’kmaq vivent hors réserve, soit à Mi’gma’gi ou ailleurs. D'autres encore peuvent ne pas être inclus dans les dénombrements de population enregistrés, car ils ne sont pas reconnus comme Indiens inscrits en vertu de laLoi sur les Indiens.

Organisation sociale et politique

Historiquement, les établissements Mi'kmaq étaient caractérisés par des ménages individuels ou collectifs dispersés dans une baie ou le long d'une rivière. Les communautés étaient liées par alliance et parenté. Le leadership, fondé sur le prestige plutôt que sur le pouvoir, était en grande partie préoccupé par la gestion efficace de l'économie de la pêche et de la chasse.

Les Mi'kmaq partagent des liens étroits avec d'autres peuples locaux, notamment les Malécites et les Passamaquoddy. Avec les peuples Malécite, Passamaquoddy, Penobscot et Abénaquis, les Mi'kmaq forment la Confédération Wabanaki, une confédération de nations politiquement actives au moins depuis le contact avec les Européens jusqu'à aujourd'hui.

Un chef Mi'kmaq attend d'être présenté à Leurs Majestés lors de la Tournée royale du Canada de 1939 à Halifax, N.-É. (avec la permission du Musée des sciences et de la technologie du Canada/Collection CN/CN003696).

Le Grand Conseil Mi'kmaq (Sante' Mawio'mi) est le gouvernement traditionnel des peuples Mi'kmaq, établi avant l'arrivée des Européens. Le conseil survit à ce jour, bien que ses pouvoirs politiques aient été restreints par la législation fédérale, comme le Loi sur les Indiens. Dans les années 1600 et 1700, le conseil a discuté de questions politiques et a conclu des traités avec les Britanniques. Le Conseil était également (et est toujours) considéré comme l'autorité spirituelle du peuple Mi'kmaq. Aujourd'hui, les membres du Grand Conseil Mi'kmaq militent pour la promotion et la préservation du peuple, de la langue et de la culture Mi'kmaq.

Des représentants de tout le territoire Mi'kmaq siègent au conseil. Dans le passé, le Grand Chef (Kji Sagamaw ou Kji Saqmaw) était le chef de l'État du corps politique collectif Mi'kmaq, qui était composé de capitaines (gardés ou kji'keptan), qui a dirigé le conseil, lecteurs wampum (de putu ou pute), qui maintenaient les traités et les lois traditionnelles, et les soldats (smagn'is), qui protégeait le peuple. Aujourd'hui, le chef, les capitaines et les lecteurs de wampum dirigent toujours le conseil, bien que leurs rôles aient été réduits par le gouvernement fédéral pour se concentrer principalement sur la spiritualité et la culture Mi'kmaq. D'autres organisations, comme Mi'kmaq Rights Initiative (Kwilmu’kw Maw-klusuaqn), plaident politiquement pour la reconnaissance et la mise en œuvre des droits issus de traités. (Voir également Peuples autochtones : traités).

Culture

Siège de chaise micmaque en piquants (avec la permission du Glenbow Museum/Service canadien d'ethnologie, MCC). Mocassins Mi'kmaq, vers 1830.

Comme d'autres peuples autochtones de la région des boisés de l'Est, les Mi'kmaq pratiquaient un art intrinsèquement lié au monde naturel. Des artistes micmacs contemporains comme Alan Syliboy ont réinterprété les traditions artistiques micmacs, comme la peinture rupestre et les vêtements ornés de piquants. (Voir également art autochtone au Canada).


La musique est un autre élément important de la culture Mi'kmaq. De nombreux chants et chants traditionnels sont encore chantés lors de rituels spirituels, de fêtes, de mawiomi (rassemblements), de cérémonies culturelles et de pow-wow. Dans certains cas, les chants mi'kmaq se composaient de vocables (syllabes parlées) comme moyen d'exprimer des émotions, plutôt que de mots ayant un sens.

Le saviez-vous?
En avril 2019, une vidéo de l'adolescente mi'kmaq du Cap-Breton Emma Stevens chantant "Blackbird" en mi'kmaq est devenue virale. La couverture du classique des Beatles a été produite par l'enseignante d'Emma, ​​Carter Chiasson, traduite par l'enseignante Katani Julian et son père, Albert « Golydada » Julian, et enregistrée par Emma et d'autres élèves de l'école secondaire Allison Bernard Memorial de la Première nation Eskasoni, au Cap-Breton. . Ils ont traduit la chanson en mi'kmaq pour sensibiliser aux conséquences de la mise en danger des langues autochtones pendant l'Année internationale des langues autochtones des Nations Unies, 2019. La vidéo a fait le tour du monde, recevant les éloges de personnalités publiques, y compris l'auteur-compositeur original. , Sir Paul McCartney, ainsi qu'un tweet du premier ministre du Canada, Justin Trudeau.


Langue

Le Mi'kmaq fait partie du groupe wabanaki des langues algonquiennes orientales, qui comprend les divers dialectes abénaquis, ainsi que les langues penobscot et malécite-passamaquoddy. Selon le recensement de 2016, 8 870 personnes sont répertoriées comme parlant micmac. (Voir également langues autochtones au Canada).

Mi'kmaq est écrit par ordre alphabétique. Il a des constantes à une ou deux lettres ainsi que cinq voyelles qui produisent des sons longs et courts. Mi’kmaq a une histoire d’utilisation de pictogrammes, mais ce système d’écriture a été modifié par des missionnaires apprenant la langue pour enseigner le catholicisme dans les années 1600. Mi’kmaq had as many as 17 different dialects, including the unique Québec dialect Restigouche, but linguistic contact with French and English speakers has eroded the prevalence of the language and smoothed dialectical differences.

Despite challenges, language programs, including high school immersion programs, have helped to revitalize the language. In 1970, there were approximately 6,000 Mi’kmaq speakers, compared to the nearly 9,000 reported in 2016. However, these numbers may be misleading. While the National Household Survey asks speakers to self-report “an understanding” of a language, linguists measure health of a language by the number of fluent speakers. In 1999, a report by the Nova Scotia Mi’kmaw Language Centre of Excellence indicated fewer than 3,000 fluent speakers.

Nevertheless, Mi’kmaq is the only Indigenous language in significant active use in Mi’gma’gi (Maliseet had less than 800 speakers in 2011), and as such, is an important symbol of cultural strength and perseverance for the community.

Religion and Spirituality

Mi’kmaq spirituality is influenced by and closely connected to the natural world. The Mi’kmaq believe that living a good, balanced life means respecting and protecting the environment and living in harmony with the people and creatures that live on the earth. Analysis of the Mi’kmaq language enhances the fundamental importance of this worldview. Rather than a sequential, time-based verb tense structure (as in English), the Mi’kmaq language is experiential, relying on the evidence of the speaker to convey meaning.

Mi’kmaq culture and traditional religion is based on legendary figures like Glooscap (also written Kluscap) who is said to have formed the Annapolis Valley by sleeping on the land and using Prince Edward Island as his pillow. The Great Spirit is the creator of the world and all its inhabitants, a concept that was not destroyed when Catholic settlers and missionaries began to influence Mi’kmaq spirituality and religion in the 17th century. (Voir également Indigenous People: Religion and Spirituality).

Origin Stories

The Mi’kmaq, like most Indigenous groups, use stories to tell about the past and about their spirituality. Mi’kmaq oral tradition explains that the world was created in seven stages. The Creator made the sky, the sun, Mother Earth and then the first humans: Glooscap and his grandmother, nephew and mother. From sparks of fire that Glooscap commanded to come forth, came seven men and seven women — the founding families of the seven Mi’gma’gi districts. There are many other origin stories that describe how things came to be and how to live a good life.

Christianisme

In 1610, Henri Membertou, a Mi’kmaq chief (sagamo ou sagamore), became the first Indigenous person to be baptized as a Catholic in New France, beginning a pattern of intense conversion and intermingling of customs. Mi’kmaq peoples, who had readily adapted to European trade goods, were likewise receptive to religious practices.

The Concordat of 1610 — a formal agreement between the Mi’kmaq and the Vatican marked by the creation of a treaty wampum — combined trade, treaty and religion in relations between the Mi’kmaq and the French. The Concordat made the Mi’kmaq Catholic subjects, and therefore legitimized trade and other relations between settlers and Indigenous peoples in Acadia or Mi’gma’gi. Mi’kmaq people continued to practise their own customs but incorporated the teachings of priests who had learned the Mi’kmaq language, entrenching Catholicism into Mi’kmaq spiritual identity.

Mi’kmaq religion remains firmly based in Catholicism. In the early 1990s, Mi’kmaq peoples from across Mi’gma’gi began celebrating Treaty Day (1 October) by incorporating traditional Mi’kmaq customs like drumming and the burning of sacred herbs into Catholic Mass. However, traditional Mi’kmaq spirituality is still practised today, with a concerted effort on the part of Mi’kmaq people to protect and promote their religious beliefs and customs.

Chapel of the Mi'kmaq on the Conne River, Newfoundland and Labrador (1908).

Colonial History

Due to their proximity to the Atlantic, the Mi’kmaq were among the first peoples in North America to interact with European explorers, fishermen and traders. As a result, they quickly suffered depopulation and socio-cultural disruption. Some historians estimate that European diseases (Voir Epidemic) resulted in a loss of up to half the Mi’kmaq population from about 1500 to 1600.

As a result of sporadic contact and trade with European fishermen, the Mi’kmaq who encountered the first sustained European settlements in what is now Canada were familiar with the people, their goods and their trade habits. Additionally, Mi’kmaq oral history tells of a Mi’kmaq woman’s ancient premonition that people would arrive in Mi’gma’gi on floating islands, and a legendary spirit who travelled across the ocean to find “blue-eyed people.” The foretelling of the arrival of Europeans meant Mi’kmaq were prepared when they first encountered fishermen off their shores.

Mi’kmaq participated in the fur trade by serving as intermediaries between Europeans and groups farther west, as fur-bearing animals quickly became scarce in the face of high demand. This fundamentally altered the lifestyle of the Mi’kmaq, who focused on trapping and trading furs rather than subsistence hunting and gathering.

Prolonged conflict between French and British colonial powers often pulled Mi’kmaq into the fray. The Mi’kmaq were largely allied with French colonial forces, which had established settlements across Acadia until the 18th century. During that time, and after conflicts with Britain, the Mi’kmaq signed treaties in 1726, 1749, 1752 and 1760–61, followed by two treaties to secure alliances during the American Revolution. These were known as the Peace and Friendship Treaties. The 1726 treaty was the foundation for the subsequent treaties. (Voir également Indigenous Peoples: Treaties).

These treaties between sovereign nations recognize the inherent Indigenous rights of the Mi’kmaq, and form the basis for modern treaty claims and renegotiations. The Royal Proclamation of 1763, though it established Indigenous rights in much of Canada, did not mention Maritime colonies. For this reason, most post-treaty European and Loyalist settlers ignored, or were ignorant of, Mi’kmaq rights.

In 1985, the Supreme Court of Canada confirmed that the Mi’kmaq and the Crown have a historic relation stemming from the treaties of the 1700s, and that the Mi’kmaq have Indigenous rights to the lands described in those treaties. Ever since 1 October 1986, Treaty Day in Nova Scotia and some other parts of Atlantic Canada has commemorated the signing and significance of the Peace and Friendship Treaties.


19th and 20th Century Struggles

Life under British, and later Canadian, governance was not kind to the Mi’kmaq, who were subjected to conscious attempts to alter their lifestyle. Most moves to establish them as agriculturalists failed because of badly conceived programs and encroachments upon reserve lands. Economic patterns that privileged employment as labourers effected irreversible change: crafts, coopering, the porpoise fishery, and road, rail and lumber work integrated the Mi’kmaq into the 19th- and 20th-century economy, but left them socially isolated.

As with many Indigenous peoples in Canada, the Mi’kmaq are strongly affected by the lasting trauma of residential schools. Adding to this cultural, generational and economic dislocation, in the 1940s, the Department of Indian Affairs forced more than 2,000 Mi’kmaq people living in numerous small communities to relocate to government-designated reserves. The moves, undertaken for the sole purpose of streamlining government administration were fraught with mismanagement and experimental tactics, and had disastrous effects on the communities. Homes, churches and industries were abandoned and replaced with poor conditions and economic dependency.

Le saviez-vous?

Despite facing discrimination in Canada and a lack of civil rights (Mi’kmaq and other Indigenous peoples were not granted the right to vote until 1960), more than 200 Mi’kmaq warrior-soldiers ( sma’knisk) served with the Canadian Expeditionary Force (CEF) in the First World War. Many were wounded or killed in battle (voir Indigenous Peoples and the First World War). In addition, Mi’kmaq soldier Corporal Samuel Glode (Gloade) was highly decorated for bravery on the Western Front. Glode was awarded the Distinguished Conduct Medal (DCM) for disarming 450 land mines and bombs in 1918, saving many Canadian lives.

Contemporary Life and Activism

In 2015, there were 13 Mi’kmaq nations in Nova Scotia with a total registered population of 16,268. New Brunswick’s nine nations included 8,210 registered people, while the two nations in each of Prince Edward Island and Newfoundland and Labrador had populations of 1,294 and 26,966, respectively. The three Québec nations had a total population of 6,025. Before 2011, the population of registered Mi’kmaq people in Newfoundland and Labrador was significantly lower in that year, the federal government recognized the status of more than 23,000 Mi’kmaq people, who formed the Qalipu Mi’kmaq First Nation.

The formation of the Qalipu is one example of continued activism among Mi’kmaq people. In 1999, the Supreme Court of Canada affirmed the rights of Donald Marshall, Jr., and thus all Mi’kmaq peoples, to a “moderate livelihood” through hunting and fishing rights. Marshall had been convicted in 1996 of fishing out of season, but the court ruled that the Peace and Friendship Treaties, signed in 1760 and 1761, guaranteed Mi’kmaq these rights.

The decision sparked what is known as the Burnt Church Crisis, where tensions reached a boiling point between Mi’kmaq and non-Indigenous fishermen, who argued that unchecked harvesting in the lobster fishery would lead to devastation of stocks. Despite the pacifist lobbying of organizations like the Bay of Fundy Inshore Fishermen’s Association among their own members, some non-Indigenous fishermen destroyed Mi’kmaq traps and other equipment. The situation threatened to devolve into violence. The federal government brought the crisis to somewhat of a close by buying licences and equipment from some non-Indigenous fishermen and entering into agreements with several Mi’kmaq communities to regulate a commercial fishery. Other Mi’kmaq communities did not reach agreements and continue to petition the federal government to recognize treaty rights.

Ongoing tensions over lobster fishing between non-Indigenous and Sipekne’katik (Mi’kmaq) fishers escalated in October 2020. A lobster pound was burned down in Middle West Pubnico the night of 17 October. The Mi’kmaq have called on the federal government, which is responsible for fisheries, to provide clear guidance on what a “moderate livelihood” involves.

In October 2013, members of the Elsipogtog First Nation in New Brunswick organized a demonstration against natural gas fracking being conducted on Crown land near their community. The protests centred on environmental arguments against fracking and the unceded nature of the territory in question. Protesters erected blockades on Highway 11 and several organizers were arrested. Non-violent protesters faced off against RCMP officers, producing iconic images and reigniting debate over the scope of Aboriginal title and the politics of environmental stewardship within an industrial economy.


Where can I find pictures of clothing of poor or common male European musicians between 1500 and 1700 - History

Women were seen as nothing more than mere objects. They were to be controlled in the age of enlightenment. Men took the role of the puppeteer and women took the role of the puppets. The role of women was determined around the time philosophers and scientists, all males, were controlling society. For a long time up until the 1960’s, women were seen as the “second sex”, and deemed second in importance, biologically. The preconceived theory is that women’s role is simply reproductive by nature. Nature’s “supposed” law of men above women changed in society by the time feminists evolved.

The idea that there is a hierarchy of genders based on the men and women’s natural differences, was very popular during the enlightenment. Women’s difference in body parts and personality traits were seen as negative and placed them below men in this way. They were kept behind the limelight, and in private salons. The women who decided that their education and intelligence overpowered the fact that they were women, still were oppressed. They also tried to participate in ‘under the radar’ debating societies. No matter how much they wanted to improve their lives through education and self-empowerment, men during this time always wanted to find a way to downgrade the women. Because the idea of women as objects was an idea as old as time, and that’s all men really knew about, it was hard for women to escape these traditional gender roles.

Feminism has now developed in such a way that women can use their experience and knowledge to join in on unions and political networks. Unlike in the 18 th century, when women were accustomed to hiding their sometimes brash opinions and thoughts, women can for the most part be respected enough to say and think what they feel. History has taught us that the way to respect isn’t through a quick fix, but instead a long and complex set of revolutions and evolution. The women of the 18 th century were an important stepping stone in allowing women to evolve to how they are today.

Changed since the Renaissance

Women were not able to start a revolution or movement during the time of the Renaissance. However, during the age of enlightenment, women started to demand to have the same educational opportunities as men and wanting to participate in higher societies. The legal status of women was left undetermined and men saw them as silly and subordinate.

A History of Women's Political Thought in Europe, 1400-1700 by Jacqueline Broad and Karen GreenPower, Piety and Patronage in Late Medieval Queenship: Maria de Luna by Nuria Silleras-FernandezEleanor of Aquitaine: Queen of France, Queen of England by Ralph V. Turner


Amsterdam

Prostitution comes from Latin and means: Placing in front (pro is upfront and otatuere means placement).


Prostitution in Amsterdam in the year 1905.

Is Prostitution The Oldest Profession in History?

Dr. Kate Lister – sex work historian: ‘It was actually the Victorian writer, Rudyard Kipling, who first coined the phrase ‘the world’s oldest profession’ in his short story, On the City Wall (1898). The tale opens with the immortal line “Lalun is a member of the most ancient profession in the world”. Since then, the expression has fallen into common parlance as a historical truth.


Amsterdam, Red Light District, 1968. A window prostitute. Photographer: Cor Jaring.

Mais, sex work is not the oldest profession in the world anthropologists have found no evidence of selling sex within numerous (so called) primitive societies. The northern hill tribes of Thailand had no word for prostitution, and Victorian explorers were surprised to discover that the Dyak people of Borneo had ‘no word to express that vice’, and when Christian missionary, Lorrin Andrews, translated the bible into Hawaiian in 1865, he had to invent new words to teach the islanders about the concept of sexual shame, and infidelity. But, wherever you find money, you also find sex work.’

10 Synonyms For Prostitute

✦ Hooker
✦ Nightwalker
✦ Courtesan
✦ Femme fatale
✦ Painted lady
✦ Jilt
✦ Whore
✦ Harlot
✦ Escort
✦ Sex worker

What is a whore?


Amsterdam, Red Light District, 1968. A window worker receives a customer. Photographer: Cor Jaring.

‘Whore‘ is an old Indo-European word, related to the Old Indian word Kama (like in Kamasutra) meaning lust. Historically, levied at any women who stepped outside the norms of modest behaviour that upset the status quo. Whore originally derives from the Germanic ‘horon’ meaning “one that desires’. (Source: Dr. Kate Lister – sex work historian)

In old Norwegian the word is ‘hora’ (adulteress woman). In Dutch it’s called: “hoer” and is almost pronounced the same way as the English word ‘whore’.

Harlotry (in Dutch “hoererij”) was the general term for both paid and unpaid sex outside of marriage. The honour of a women was set by her sexual behaviour. Whores were considered to be honourless women. The word prostitute only became generally accepted in the Netherlands in the 19 th century.


The Brunswick Monogrammist, brothel in 1550. In the back a woman and a man “go upstairs”.

The Whore of Babylon

Being a whore is one of the oldest professions on earth. The Holy Bible mentions a woman, called the Whore of Babylon. That stood for sinful behaviour. It meant that the Roman Empire –according to the writers of the Bible- was no more than a bunch of unholy people, with their multitude of Gods and their wrongful morals.

Lucas van Leyden Sodom destroyed by God, 1509.

The Bible says Sodom and Gomorra were destroyed by God, because of the sinful behaviour of their citizens. Sodomy [love between men], whores, brothels and drunkenness formed the basis of the decay in these two Biblical places. Having sex was only destined for married couples.


Lilith according to painter John Collier (oil on canvas, 1892).

The History Of Prostitution 3000 years before Christ

But even before the Bible, a woman called Lilith was mentioned in clay tablets. The demon Lilith, emerged for the first time circa 3000 BC in the ancient city of Uruk, in what is now called Iraq. She was a high priestess of the Inanna-temple and was sent by the Goddess “to get men from the streets.”

Lilith was one of the Nu-giggs, the pure or spotless, who were worshipped as holy women. The rituals Lilith took part in were later considered prostitution-rituals.

First legalisation of prostitution

Solon – the great Athenian legislator – was the first to legalise prostitution. He legalised prostitution in the year 594 before Christ, Solon implemented state measures. Firstly to protect marriage and to prevent adultery. Secondly to unlimited satisfaction of all extramarital sexual desire.

How did people react to prostitution?

A prostitute is always a source of many different reactions. Jealousy is certainly one. And many a spouse was relieved to see her man go to the Red Light District, as she refused to have sex with him. That also was the reason for the Catholic Church to condone prostitution. 70% of all clients of prostitutes are married, recent studies show.

Prostitutes always made good money and so did those around them, like a pimp, the inn, etc., as is apparent from all the inns in paintings, where leisure, beer, kissing and making- out is depicted in a straight forward way. Victorian times hadn’t arrived yet and there was little or no structure to every day life.
In present days, Lilith lives as much as back then. More and more women free their untameable Lilith energy- their free, dark, sexual, tempting and creative powers.


Jan Steen, Wine is mocker, 1669. Woman having too much to drink in front of an inn.

City administrations have more than once tried to regulate prostitution, this gave the police an opportunity to close one eye and receive payments for doing so. Only the women who did serious crimes, besides prostitution, such as manslaughter, murder or repeated battering, were punished.

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History of Prostitution in Amsterdam: Punishments

City Justice made use of City Regulations – such as one from the year 1413 in Amsterdam – which held that a prostitue, performing her trade outside the allowed place and after having received two warnings, would be buried alive. [Source: Book Of Regulations A folium 4, 1413]. Indeed, several women have actually been buried this way, as becomes apparent from old books of Justice of the city. It’s The Dark Ages, you know? The poor women.

A woman could also lose her ear if she slept with anyone else but her spouse, or with a man in the church or at the cemetery!
This actually happened to a woman known as Neeltje Pieters, who returned despite her legally being banned from Amsterdam and did wrong things on her arrival back home. As a punishment, she lost her ear at 12 November 1650 [Source: Justice book of the year 1650, folio 21].

History of Prostitution in Amsterdam: Brothels, stoves and inns

Year 1377 – 1477

In Burgundian times which ran from the year 1377 to the year 1477, Burgundian Duke Philip of Burgundy re-introduced an old Roman tradition in his countries which included The Netherlands back then: Stoves or Bath houses. They were called stoves because they were heated. A stove was basically an Inn. The present day German word Stube [bar] still refers to that heating aspect of such an Inn.

But Anthony of Burgundy went a step further introducing the Stove as a brothel and an Inn combined. And the upper class liked the Stove, too. Anthony was the son of Duke Philip the Good of Burgundy, who was known for his adultery and fornication.



UNE bath house-brothel in 1470 with the King on the background.

This aquarel depicts a man in courtly garb and a king looking through a window in the year 1470, observing debauchery in the baths. Nude men and women bathe and eat together, while two couples in the baths and a couple in an adjacent room kiss and fondle. The prostitutes wear elaborate veils and jeweled necklaces. The painter, the Master of Anthony of Burgundy chose to place the scene of luxury in a contemporary Flemish bath house or brothel.

Brothels with adjacent bath houses and public bath houses that also offered illicit prostitution were common in the late Middle Ages in France, the Low Countries, and Germany. Although prostitution was illegal in public bath houses, proprietors often overlooked the law. Bath house-brothels earned a reputation for vice and licentiousness. Gambling, theft, and drunkenness all appear as complaints in legal documents.


A whore painted by the Dutch female master painter Judith Leyster. Circa 1650.

The owner of a Stove could be fined 3 Pounds, the City regulation stipulated. Young Gentry men had an initiation ritual: they took a freshman student to a Stove, where it was common for this young man, aged 16 or 17, to receive a gift: life-long Syphilis.

History of Prostitution in Amsterdam: Prostitutes and STD’s

Year 1478 – 1564

At a certain point the connection was discovered between prostitutes and venereal diseases (STD’s) and the City made policies to prevent or diminish it.
Already in a City Regulation of the year 1478 “Rendez-Vous Houses” or “Meeting Houses” were mentioned. Places where women drank with men, “to be merry and to do other things as they liked”, as a source describes it.

On September 18th, 1564 a woman by the name of Mary Simonsdochter (Mary Simons daughter) was put in the “kaak” (see picture below) as a public punishment and humiliation and she was afterword’s brought by the police to a brothel in the Pieter Jacob Alley, all because Mary was a prostitute and “was seen engaged with a certain married man person.” And “notwithstanding her having received several warnings on the part of the government of the City of Amsterdam.”


Being posted on the “Kaak”. A forgotten form of punishment.

Displayed here is an advert for Van Rossums tobacco, with a punished man at the “Kaak”. Mostly the perpetrator was attached to this torture instrument for 3 hours, not longer. Passersby were allowed to throw rotten eggs or tomatoes at the villain, but in this picture a friendly inhabitant makes the crook enjoy his pipe!

At the end of the 16th century brothels were abolished in Amsterdam. Nevertheless prostitution increased.

A new form of brothel in Amsterdam: The Play House

Year 1668 – 1809

In 1668 the City of Amsterdam decided to install street lighting. By 1670 there were already 1800 lampposts in the city that ran on oil lighting. The purpose of the new lighting was the increase the safety in the city. An unexpected side effect was that it led to a boom in nightlife and with it prostitution. The Growth of so called playhouses coincided with the introduction of street lanterns.

In 1681 a booklet was published called: Le Putanisme d’Amsterdam, that described the Playhouse or Music House, that had arrived as a new form of brothel. “The building shows no windows whatsoever and is only indicated by the lantern at the outside. A hall leads to a large room, where a man plays the spinet [old piano giving a tinkling sound] and where a lot of people are together. High on the ceiling of this room hangs an enormous copper chandelier, like one sees in churches. Also a man plays a violin. Young women wait until they are invited by a man to have a drink and sit together. They are wonderfully dressed and their hair is beautifully done. A chansonnier sings all kinds of songs and the women perform solo dances, of which the Kurat is the most popular.

Book cover of “ Le Putanisme d’Amsterdam”.


Amsterdam, Warmoesstraat, 1808. Playhouse De Pijl.

This etching from 1808 shows the chic interior of Playhouse De Pijl at Pijlsteeg 27, where nowadays Hotel Krasnapolsky is located. Playhouse was the name for a luxurious brothel. Four girls dance in the middle of the room. Other girls talk and drink with the customers. In the background, a servant lets in new visitors. They must first report to the boss, who is behind a high desk on the left. In these types of play houses, an orchestra provided the music and the visitors drank and gambled a lot.

Since the eighteenth century, Amsterdam’s city council tolerated these type of luxury brothels. Over the centuries, the administrators had tried to curb prostitution. But the city council had never completely exterminated it. Prostitution was seen as a phenomenon that belonged to a large port city, like Amsterdam.

Many honorable Christian Amsterdammers did experience thorns. For example, on Monday 7 November 1887, the Association for the Fight against Prostitution met in a room on Warmoesstraat. The members were excited about the prostitution that was rampant in Amsterdam. Partly thanks to this movement, the national ban on brothels was introduced in 1911.

The Spin House


Amsterdam, Red Light District, 19th-century.

Regularly prostitutes were brought to the so called Spin House – a penitentiary for women. The convicted women (criminals, beggars and prostitutes) were punished, sat in a large room and also had to spin and sew. Everybody who paid a nickel could watch them as if it was the zoo. The women were forced to nit and sew and were detained for a certain time.


Spin house (women’s prison) around 1700. A prison for female thieves, hookers, etc.



The Spin house in Amsterdam, 1650. Painted by Bartholomeus van der Helst.

This painting depicts several “regents” – the directors of the Dutch cities in the 17th century and the 18th century. The power was then in the hands of the regent families, who often gave family members powerful jobs. The Spin House had four male regents and two female regents. On the background of the painting you can get a glimpse of the daily affairs of this Spin house. One of the women gets beaten with a shoe. Apparently physical punishment was seen as an integral part of reeducation of the women.



Amsterdam, 17th-century. UNE woman gets beaten with a shoe as punishment.

Already in the 17th century women were brought to Amsterdam, a booming town, from elsewhere, mainly Flemish Brabant, the region just above Brussels. So there was women trafficking, but many women in Amsterdam did their trade voluntarily and came from the city itself. A lot of money was easily made this way.

Around 1700 the city government started to seriously clamp down on the organizers behind prostitution. So called “madams” (female pimps/ brothel owners) were sentenced to life in prison or exile. In 1706 a madam was for the first time put on the earlier mentioned “kaak” for all to see.

From 1722 they also started with flogging in public. Fines were also increased and the expensive clothing of the prostitutes, often owned by the madams, were confiscated. Around 1720 prostitution went underground, a number of large playhouses disappeared and the small whorehouses, where a madam and one or two prostitutes lived, made far less explicit promotion. The women no longer flaunted themselves in Front of the door of whorehouses. Instead they went to the “kruisbaan” (nickname for the street) to find customers. People used to call prostitutes walking the streets “kruisen”. The American word cruising appears to have originated from “kruisen”.

In an alley called Hasselaarsteeg [Hasselaar Alley], located at 100 yards from the harbor, brothels were left to their own devices, because sailors had to sleep somewhere and many of time they did that just there, in the houses of public women. The City of Amsterdam only withdrew the license of a public woman after a multitude of complaints about her, as is stated in a Police report from 1838 about a woman in the Handboogstraat.

History of Prostitution in Amsterdam: Legalisation and Repression

Year 1809 – 1882

With the French occupation of The Netherlands in 1809 the ban on prostitution was lifted. Starting from 1809 prostitution was allowed, under the condition that the women and brothel owners registered with the police. The reason for this practice originates from the Napoleonic wars. Soldiers and prostitutes often spent time together. During the Napoleonic wars there was a big increase in venereal disease, with negative consequences for the fighting strength of the army. It was hoped that the registration and checkups, including medical checkups, would decrease the number of venereal cases. The French government in The Netherlands ended the ban on prostitution and with the implementation of code penal in 1811 only prostitution with minors was made illegal. This meant the separation between the law and morals. Even more special is the Law-on-the-Cities of 1851, that recognised both brothels and prostitutes as legal! True!

After the French left in 1813 prostitution remained legal. In many cities, especially garrisoned ones, prostitution was regulated. Amsterdam was an exception. Even though prostitution was viewed as condemnable the local authorities would not interfere with the sector. Still the city of Amsterdam provided medical checkups for prostitutes.

Number of Brothels

In 1882 there were 68 legalised houses of prostitution, with 170 public women. In brothels signs were posted with this warning in three languages:
“In Holland, no prostitute can be kept in a house of tolerance, be it for debts, be or for whichever motive. People having doubts, can address these doubts to Police stations [follows the address].”

In 1854 the City of Amsterdam forbade “acquiring the attention by one or more women in a brothel of any one passing by, pouring liquor, beer or wine to a Policeman in uniform, all of which, together or with or without receipt of complaints about irregularities “ could lead to shutting down the brothel in its entirety. In England movements for abolition of the trade started in 1870, followed up in Amsterdam by The Midsummer night Association in 1888. The debate about prostitution reignited. Hundreds of books and pamphlets were written by proponents – fighting with statistics – defending public health and opponents, who considered the checkups of prostitutes a license for visiting brothels. The proponents for ending prostitution called themselves abolitionists. They chose this name because of its meaning in the fight against abolishing slavery globally. They started protesting right in front of a brothel, only to give rise to mockery [first], insults [after] and outright fights and up risings [in the end], meaning that this attempt to deal with the oldest profession on earth was doomed to fail.


“Reines des trottoirs” (Queens of the sidewalk), Amsterdam, late 19th century.

After so many centuries of condoning brothels, criticism against condoned prostitution eventually led to the “zedelijkheidwet” (morality law) of 1911. It became expressis verbis and officially forbidden by Amsterdam City law, to accommodate acts of indecency in one’s house or trade.



Police sally forth in May 1902 to close down brothel “The Green palace” in the Wijde Lombard steeg.
Cartoon in the Amsterdamsche Courant.

History of Prostitution in Amsterdam: Brothels went provocative

Violation of this new City-rule was punished with shut down by the Fornication Police, who went to the place in full pomp and circumstance!
Brothels advertising openly on the streets and in newspapers in a provocative way, didn’t do much good to the business of prostitution: Authorities reacted by making things more difficult. New laws were introduced, repression became firmer.

Provocative Advertisement of brothel Maison Weinthal circa 1900.

Brothel Maison Weinthal was shut down by the Amsterdam authorities on June 20th, 1902.

Now local brothel-keepers went into appeal with the courts, putting forward that the local City-laws were in contradiction to National laws. Eventually the Supreme Court in the Netherlands held that the Amsterdam City law did not contravene any higher body of law and the appeals were thereby dismissed.

History of Prostitution in Amsterdam: Health issues

In 1904, the Liquor Law went into force. This was to target females in bars trying to get the male visitors to drink beer, wine and jenever (the dutch version of gin). These women are called animation girls, since they try to animate you to drink and to pay the bill for both of you. They were prositutes too. It was forbidden to have female staff in a bar without a specific license from the City, mentioning the women and her address in question on paper.

As a result of the Sanitary Convention of 1916 drafted in Brussels, to which all civilised nations adhered, sailors of all nationalities can have free treatment of genital diseases. The invention by Alexander Fleming of a new drug: Penicillin, made treatment of venereal diseases possible. Quite a relief!


Amsterdam, Antoniesbreestraat, 1919 – The bowed bed of a prostitute.

History of Prostitution in Amsterdam: Statistics

In 1926, Amsterdam had 1900 working prostitutes in town. They worked on the streets, in houses or in cafes. Back then, 855 prostitutes (45%) worked on the streets. 627 prostitutes (33%) worked in houses and stood behind the window or in the doorway. 209 hookers (11%) worked in cafes or so called cabarets.

The trade of prostitution can be divided in certain categories:

  • Street prostitutes
  • House prostitutes
  • Bar-prostitutes
  • Occasional prostitutes
  • Brothel prostitutes and massage prostitutes
  • Call-girls

History of Prostitution in Amsterdam: Politicians and Prostitutes


Amsterdam, Red Light District, Oudekerksplein 34. Photographer: C. Jaring.

Rob Oudkerk, a former Dutch politician and alderman of Amsterdam in the nineties, was dismissed when, in a loose mood at a bar, he told female journalist Heleen van Royen that he frequented prostitutes at an Amsterdam industrial site. Rob Oudkerk, at the moment of publication in the year 2004, was an MP and was forced to resign and disappear from the national political theatre. Nowadays, prostitution is accepted, except by conservative and religious political parties, like CDA or CU.

Project 1012

In 2007, the City of Amsterdam adopted a policy called 1012 – the zip code of the Red Light District. It encompasses among other things, buying real estate [from wrongdoers] and installing regular shops in the real estate. Like a game cafe, fashion shops, chocolate shops, art galleries and so on. That policy has been successful. But because of this policy, the number of brothel windows is decreasing. This means less working space for the prostitutes. On April 9th, there was this big protest in Amsterdam, where sex workers protested against the closing of the brothels. “Don’t save us, save our windows”, sex workers said. In the 70’s and 80’s, the Red Light District was all about sex & drugs. At present the Amsterdam Red Light District is a fine place to be and to hang out. There is so much to see! Nowadays, it offers more than just window brothels and cannabis coffee shops.

Hidden Church in Amsterdam Red Light District


Amsterdam’s hidden church Our Lord In The Attic.

Don’t forget to check Our Lord In The Attic (in Dutch: Onse Lieve Heer Op Solder), a wonderful 17th century house, where Catholics secretly held their worshipping ceremonies in a time Calvinism became the main religion in Holland (as from 1585). This 5 story house has a complete church on the highest floor, which is exactly the same now as in those days! The rest of the house shows how people lived in the 17th century without central heating and warm water.

Saviez-vous que Catholics who paid the church were only allowed to sit on one of the benches? The poor (those who didn’t have money to pay the church) were welcome too, but they had to stand in the back.


Renaissance Costume

Renaissance costume wear is different, strictly speaking, from Renaissance clothing. For the most part, these are just-for-fun items that can be purchased in costume stores. Also, many medieval costumes can be observed at a typical renaissance fair. Renaissance fair costumes and medieval costumes are mass produced, often from modern synthetic materials. You’ve undoubtedly seen such costumes every year at Halloween, in retail giants like Walmart and Kmart. If you want to buy a cheap renaissance costume, check discount stores in October. For even cheaper renaissance and medieval costumes, wait until after Halloween, when the costumes are marked down.

If you want something more authentic to wear to a renaissance fair, check with the festival staff or website before you purchase a costume. Oftentimes, you can rent a suitable costume at the fair, near the main entry gate. Also, the fair you’re attending might offer quality Renaissance costumes and medieval costumes for sale.


1900-1910: Transition to the 1910s

With Poiret’s liberating of women’s corsets he took the first step to a straight silhouette and a fashion that made life easier for women. Poiret, amongst others, in combination with WWI, created a functional fashion with shorter skirts, simple lines and clothes that are similar to today. As in midi skirt, sweaters and cardigans! The 1900s were the last steps of old society and the first steps of the new life that awaited people. Out with the old and in with the new!

Next week I’ll talk about WWI, ransons and the years leading up to the flapper girls: 1910 – 1920! Hope you’ll like this series folks! Xx


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